Le musicien et virtuose de la kora Nfaly Kouyaté a officiellement présenté son nouvel album intitulé “Finishing” ce lundi, au cours d’une conférence de presse organisée dans un réceptif hôtelier de Conakry. Entouré de ses collaborateurs et partenaires, l’artiste a profité de cette rencontre pour annoncer un concert prévu le 25 mai prochain à Bruxelles, à l’Ancienne Belgique, afin de marquer la sortie de ce projet musical.

Dans une ambiance détendue, mais portée par une forte symbolique, l’artiste est revenu sur la philosophie qui accompagne cet opus de 13 titres. Entre afrobeat, jazz, RnB, trap et rap, “Finishing” se veut un album aux sonorités variées, construit autour d’un message de paix et d’espoir. « C’est la nostalgie d’être à la fin de toutes ces horreurs humaines. Ce n’est pas la fin de carrière mais des hostilités », a expliqué Nfaly Kouyaté devant les journalistes.

L’artiste a également confié qu’une bonne partie de l’album a vu le jour durant la période du confinement lié à la COVID-19. Plusieurs morceaux ont été composés à Siguiri, sa ville natale, notamment au bord du fleuve, avant d’être finalisés entre l’Afrique du Sud et la Guinée. Le projet réunit aussi plusieurs figures reconnues de la musique africaine, parmi lesquelles Tiken Jah Fakoly et Didier Awadi.

Le choix de la date du concert n’est pas fortuit. Prévu le 25 mai, l’événement coïncide avec la célébration de l’anniversaire de l’Union Africaine. Pour l’artiste, cette date porte un message particulier à destination de la jeunesse du continent. « Après une soixantaine d’années d’indépendance, nous devons nous exprimer, surtout notre jeunesse », a-t-il soutenu.

Au-delà de la sortie de l’album, cette initiative marque aussi une volonté affirmée de renouer avec la Guinée et sa scène culturelle. Présente à la conférence, sa manager Sandra Werner a insisté sur cette dimension du projet. « N’Faly avait cette envie profonde de revenir vers son pays, de sentir sa population, de partager son savoir-faire et sa culture avec la jeunesse d’ici », a-t-elle déclaré.

Cette dynamique devrait d’ailleurs se poursuivre à travers des collaborations locales. Le directeur de Vision Pub Guinée, Salim Souaré, a annoncé la signature prochaine d’un partenariat avec Dabaya Production pour accompagner le déploiement du projet en Guinée. « Il est un monument de la musique guinéenne, très connu en dehors du pays », a-t-il affirmé.

Présent lui aussi à cette rencontre, l’artiste Lil Saako a salué le parcours de Nfaly Kouyaté ainsi que son engagement en faveur de la culture guinéenne. Il a appelé les artistes du pays à davantage de solidarité et d’entraide. « Quand on soutient Nfaly, on soutient le pays. Pour la première fois qu’Instinct Killers a joué en Europe, on a été invité par lui. Il faut qu’on se donne la main pour s’entraider, afin que notre culture puisse décoller », a-t-il rappelé.

À travers “Finishing”, Nfaly Kouyaté signe ainsi un retour artistique porté par une ambition continentale, mais également par une volonté de transmission et de rapprochement avec la jeunesse guinéenne.

Abdoul Lory Sylla pour guinee7.com 

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Au service d’un détonnant brassage musical qui, du highlife à la soul, de l’afrobeat à la funk, puise dans les héritages atlantiques. C’est au bord de cet océan que la rencontre de ces passionnés de grooves, fanatiques de l’exubérance polyrythmique africaine, a donné naissance à un premier album éponyme : « Ah ! Kwantou ». Ce dernier témoigne de la fécondité des musiques de l’Atlantique noir et de leur actualité pour qui sait les marier avec autant d’amour, de respect et d’envie de faire danser.

Énergie

Impossible de manquer les formidables grooves nés de l’entrelacement des guitares entre elles, et de ces dernières avec la batterie et les percussions. Impossible également de résister au soleil ou à l’orage que déclenchent les cuivres, et à la voix agile de Kyekyeku qui, porté par tant d’énergie, raconte des histoires de vie ou sème des rayons de bonheur. Car leur machine, admirablement huilée, est aussi là pour faire danser.

Ouverture des portes à 19 h 30, concert assis-debout. Tarifs : moins de 18 ans gratuit ; réduit et tribu 15 euros ; en prévente 17 euros ; sur place 20 euros. Buvette, deux food trucks (vietnamien et sénégalais) et gâteaux maison seront disponibles sur place.

Danser, danser, toujours danser, jusqu’à la transe. Voilà l’ambition de Papatef, le projet solo de Cyril Atef, batteur singulier ayant collaboré avec de nombreux artistes comme -M- ou Alain Bashung, mais surtout connu pour le duo Bumcello qu’il forme avec le violoncelliste Vincent Ségal. Ceux qui les avaient vus en novembre 2012 à Victoire 2 savent à quel point ce groupe peut transformer un concert en un immense morceau évolutif, alternant montées en puissance, accalmies et envolées sonores.

Un homme-orchestre entre machines et batterie

Ce que Cyril Atef réalise avec Bumcello, il est capable de le faire seul. Papatef prend la forme d’une longue performance durant laquelle le batteur mêle son instrument de prédilection à des drum machines et des platines. Une sorte de DJ augmenté où les percussions tiennent un grand rôle. Ces sonorités font rapidement danser le public, porté aussi par la voix du musicien qui accompagne ce mélange d’afrobeat, d’électro-groove et de cut-up (collage sonore spontané).

Chaque concert, un voyage unique

Homme-orchestre, Cyril Atef fait de chaque concert un moment unique, construit en direct selon son inspiration et l’énergie de la piste de danse. Un voyage sonore qui puise dans les musiques africaines, le jazz et l’électronique urbaine.

En 2026, le Festival d’Été du Cabaret Sauvage revient pour une nouvelle édition estivale à Paris, au cœur du Parc de la Villette. Rendez-vous incontournable des amateurs de musiques du monde, cet événement unique en son genre propose une programmation éclectique mêlant soul, afrobeat, reggae, musiques latinos et bien d’autres styles. Pour vivre cette expérience musicale hors du commun, les billets sont disponibles dès maintenant : pensez à réserver votre place pour profiter du Festival d’Été du Cabaret Sauvage dans les meilleures conditions.

Le Festival d’Été du Cabaret Sauvage, une édition anniversaire à ne pas rater

Le Festival d’Été du Cabaret Sauvage prépare sa 25ᵉ édition, une étape symbolique saluée par les médias spécialisés. Du 25 juin au 19 juillet 2026, la programmation réunit une sélection internationale d’artistes représentant la diversité des musiques du monde, de l’afrobeat au dancehall en passant par la soul et les musiques latinos.

Pour cette édition anniversaire, le festival s’affirme plus que jamais comme un carrefour musical incontournable de l’été parisien. Concerts, soirées clubbing et performances de cabaret s’enchaînent dans ce chapiteau mythique du 19ᵉ arrondissement de Paris, pour une atmosphère unique mêlant cultures et rythmes du monde entier.

Où voir le Festival d’Été du Cabaret Sauvage en 2026 ?

Le Cabaret Sauvage, une salle parisienne aux racines bien ancrées

Le Cabaret Sauvage a été fondé par Méziane Azaïche et inauguré en décembre 1997 au Parc de la Villette, dans le 19ᵉ arrondissement de Paris. Dès ses débuts, la salle s’est imposée comme un lieu de référence autour des musiques du monde, du cabaret et des cultures métissées, accueillant jusqu’à 1 200 personnes debout sous son chapiteau emblématique.

Au fil des éditions, le Festival d’Été a accueilli des artistes de renommée internationale tels que Faada Freddy, Rokia Traoré, Horace Andy, KRS-One ou encore Vaudou Game. En 2019, le chapiteau a fait l’objet d’une importante rénovation, avec une nouvelle structure en bois signée par l’architecte Boris Zeisser, qui a su moderniser le lieu tout en conservant son identité forte et sa capacité d’accueil d’origine.

Si le Festival d’Été du Cabaret Sauvage vous inspire, d’autres événements méritent également votre attention. Découvrez Le Festival Aluna, plongez dans l’univers de l’Aiò Festival ou laissez-vous séduire par le Festival Jardin Sonore pour prolonger les plaisirs musicaux de l’été.

Elle écoute attentivement, sourire aux lèvres, touche une épaule en guise d’encouragement, dispense ses regards bienveillants : la superstar nigériane de l’afrobeats, Tiwa Savage, joue les mentors auprès de jeunes musiciens bénéficiant d’un programme de formation musical d’élite, né de sa propre initiative.

Pendant plusieurs jours, une centaine de musiciens nigérians sélectionnés parmi plus de 2.000 candidatures participent à des ateliers de pratique instrumentale, des coaching vocaux et des masterclass sur les rouages de l’industrie musicale au conservatoire Muson de Lagos, la capitale culturelle et économique du pays le plus peuplé d’Afrique.

Il faut que ce soit une fondation panafricaine. Le talent ne se limite pas au Nigeria. Il est partout

Tiwatope Omolara Savage, 46 ans, figure majeure de l’industrie musicale nigériane, vient de lancer la première promotion de sa fondation musicale, en partenariat avec la prestigieuse école de musique américaine Berklee où elle a elle-même étudié il y a près de vingt ans.

« J’espère de tout coeur qu’un bénéficiaire de cette fondation deviendra le prochain Michael Jackson, le prochain Quincy Jones, le prochain Wizkid, le prochain grand artiste, producteur ou compositeur », confie à l’AFP la chanteuse aux succès mondiaux tels que « All Over » ou « Koroba ».

Depuis les salles de répétition, les gammes et les échauffements vocaux s’élèvent, ponctués d’éclats de rires.
« Nos professeurs nous disent d’écouter les autres pendant que nous jouons et chantons, car l’harmonie est très importante », explique à l’AFP Okebile Dennis Israel, rappeur de 23 ans.

« Je me développe en tant que beatmaker et producteur, et je perfectionne mon jeu au piano. Apprendre auprès de Tiwa, des autres musiciens et des professeurs est incroyable », s’enthousiasme Aliyu Olukoya, 24 ans.
Les enseignants de Berklee ajustent et corrigent, pendant que Tiwa Savage observe attentivement.

Née à Lagos, en partie élevée au Royaume-Uni, la star s’est imposée au début des années 2010, après son retour au Nigeria, comme l’une des voix féminines les plus influentes de l’afrobeats, l’un des genres musicaux les plus populaires au monde, qui trouve ses racines au Nigeria.
 
« Opportunités » et « super-pouvoir »
 
« Avoir confiance en soi et en ce que l’on peut offrir, même dans un environnement concurrentiel, c’est votre super-pouvoir et c’est ce que nous enseignons ici », assène aux aspirants musiciens Nichelle J. Mungo, 51 ans, professeur de chant à Berklee, qui effectue son premier séjour à Lagos à la demande de Tiwa Savage, qu’elle a connue sur les bancs de cette école de musique américaine.

La star nigériane se souvient bien n’avoir croisé que très peu d’étudiants africains lorsqu’elle fréquentait cet établissement de la côte est des Etats-Unis: c’est à partir de là qu’elle a nourri son ambition de faciliter l’accès pour les jeunes du continent africain à une formation musicale de haut niveau.

« Le problème n’est pas le manque de talent. Le problème, c’est l’accès à l’éducation et plus particulièrement à l’éducation musicale » au Nigeria, explique d’une voix posée celle qui a désormais le regard tourné vers l’héritage qu’elle souhaite laisser.
 
« En tant que musicien, il faut étudier le secteur, surtout au niveau mondial, car nous sommes trop bons pour nous contenter de rivaliser au niveau local », poursuit-elle.
Pour la chanteuse, si l’afrobeats veut atteindre une longévité et une popularité comparables au RnB ou au rock’n’roll, c’est tout l’écosystème de ce genre musical qui doit encore se professionnaliser.

« Si nous nous concentrons uniquement sur l’artiste, comment allons-nous assurer la pérennité de l’industrie ? », interroge-t-elle, plaidant pour le développement de producteurs, ingénieurs du son, compositeurs, mais aussi des métiers du marketing, entre autres.

En parallèle, elle veut aider à révéler des talents qui manquent de visibilité faute de moyens, dans un pays marqué par de profondes inégalités sociales.
« Je vois tellement de talent », dit-elle, évoquant des musiciens déjà très doués contraints de pratiquer sans accès régulier à des instruments.

Une quinzaine de jeunes ont particulièrement retenu l’attention des professeurs de Berklee venus dispenser les cours. A l’issue de leur concert au Théâtre national de Lagos, 18 étudiants ont reçu des bourses d’étude pour Berklee, d’un montant total de 2,1 millions de dollars.

La fondation doit rester gratuite et accessible, Tiwa Savage en a fait un principe moral. Elle veut offrir à d’autres la possibilité de franchir les mêmes portes, au-delà même de son pays.
« Il faut que ce soit une fondation panafricaine. Le talent ne se limite pas au Nigeria. Il est partout », lance-t-elle.

DJ Moh Green fait ses débuts au sein du Golden Crew, un duo de DJs actif en France et à l’international, avant de poursuivre une carrière solo. Actif depuis les années 2000, son style très polyvalent lui permet de s’imposer rapidement sur la scène afro-urbaine et de multiplier les sets dans des grandes salles internationales. En 20 ans de carrière, il a collaboré avec de nombreux artistes et signé plus de 80 featuring avec des personnalités tels que Sean Paul, Fally Ipupa, Vegedream, Indila, Josey, Zaho, Admiral T, Brick & Lace…  

« Un hommage à la diversité et un pont entre les cultures »

Il a également à son actif des projets d’envergure comme « African Proud », l’hymne de la Coupe d’Afrique des Nations 2019, son plus grand succès sur le continent africain. En parallèle de sa carrière musicale, il développe une activité entrepreneuriale avec son label Pay Me Now avec lequel il s’autoproduit, tout en soutenant de nouveaux talents. En 2023, il a lancé l’African Proud Contest, un concours 100 % digital qui sert de tremplin aux talents émergents de l’Afrique et de sa diaspora, ayant déjà réuni plus de 10 600 participants de neuf pays différents. 

Il est également ambassadeur de l’association « Les Voix de l’Excellence », où il anime des ateliers et des masterclass pour partager son expérience avec les jeunes issus de milieux modestes.

En 2025, il remporte le prix du Meilleur DJ aux TRACE Awards et en janvier 2026, il est sacré Meilleur DJ/Producteur africain aux All Africa Music Awards à Lagos. 

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Playlist de l’émission (dans l’ordre de diffusion) : 

Ouverture de l’émission 

• « Partir d’un rêve y arriver » – Calema (Sao Tomé)

Clip de la semaine 

• « Healing » – Niariu (Guinée)

Actualité musicale

• « Nos Óra Dja Txiga » – Hymne de la Seleção du Cap Vert au mondial 2026

• « Valid » – DJ Moh Green & To-Star

En conversation avec DJ Moh Green

• « Tata » – DJ Moh Green & Psamuel

• « Lolo » – DJ Moh Green & To-Star

• « Dina » – DJ Moh Green & Muhammad Ali

• « Go Low » – DJ Moh Green

• « Go Low Remix » – DJ Moh Green

• « Ven Aqui » – DJ Moh Green feat Six & La Synesia/Vegedream (2015) 

• « Tornado » – DJ Moh Green feat Nicky B x Sean Paul x Clayton Hamilton (2016)

• « Baila » – DJ Moh Green feat Fally Ipupa & Djodje (2021)

• « African Proud » – DJ Moh Green & All Star (2019)

• « Elle Ramasse » – DJ Moh Green & Kiff No Beat (2019)

• « Por Favor » – DJ Moh Green Magasco (2018)

• « Miss You » – DJ Moh Green

• « Only You » – DJ Moh Green

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Clementino revient avec « Children » feat. Laye Ba, son nouveau single disponible en radio et en digital à partir du vendredi 8 mai. L’artiste lui-même l’a annoncé aujourd’hui, 5 mai. La…

Clementino revient avec « Children » feat. Laye Ba, son nouveau single disponible en radio et en digital à partir du vendredi 8 mai. L’artiste lui-même l’a annoncé aujourd’hui, 5 mai. La nouvelle arrive après l’album « Grande Anima », joué sur les principales scènes d’Italie, et après avoir célébré son parcours artistique en concluant avec deux grands rendez-vous du « Live Tour 2025 » au Fabrique de Milan et au Palapartenope de Naples.

Le single après le Live tour 2025

Un morceau qui marque une nouvelle évolution de son style musical éclectique. La « Iena White » explore les sonorités rythmées et ensoleillées de l’afrobeat, donnant naissance à une piste à la portée internationale. La rencontre entre le rap de Clementino et les influences world music de l’artiste sénégalais Laye Ba crée un groove entraînant et percussif, capable de briser les barrières géographiques et culturelles grâce à la force de la musique.

Geolier au concertone : « Trop de jeunes de Naples tués par des coups de feu »

« Children » n’est cependant pas qu’un morceau rythmé et énergique, il véhicule un message profond d’amour universel et d’espoir, filtré à travers la pureté et l’innocence du regard des enfants. À une époque complexe, marquée par de grandes incertitudes et tensions, Clementino choisit de se faire le porte-parole d’un appel à l’unité et à la conscience collective. Le résultat est un morceau crossover, frais et stimulant.

Un nouveau chapitre pour Clementino

Avec ce nouveau chapitre, l’artiste confirme sa capacité à connecter différents mondes, offrant une vision positive et actuelle qui parle directement au cœur d’un public mondial. Le rappeur showman sera protagoniste d’une tournée estivale avec plus de 40 dates, qui seront annoncées prochainement via ses réseaux sociaux.

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La scène gospel sénégalaise s’enrichit d’une nouvelle voix engagée et inspirée. De son vrai nom Laure Adama Preira, l’artiste connue sous le nom de Laure de Jésus signe un premier album profondément spirituel intitulé « Jésus, source de ma vie », disponible depuis ce 2 mai 2026. Fruit d’un travail intense, cet opus de dix titres est le résultat d’un engagement collectif. L’artiste confie d’ailleurs qu’il s’agissait d’un travail acharné avec toute l’équipe, du beatmaker aux choristes, mais que les efforts fournis en valaient la peine puisque, par la grâce de Dieu, tout s’est bien déroulé.

À travers cet album, Laure de Jésus propose bien plus que de la musique : elle livre un véritable témoignage de foi. Inspirées de son vécu, d’histoires réelles, mais aussi de songes et d’expériences quotidiennes, ses chansons exaltent la gloire divine et mettent en lumière l’action de Dieu dans la vie des hommes. Musicalement, l’album se distingue par une grande diversité de genres. Entre mbalax, afrobeat, louanges et adorations, l’artiste entend toucher un large public, des jeunes aux adultes. Selon elle, les messages délivrés parlent de paix, de réconciliation avec le Créateur et du bonheur véritable que Lui seul peut procurer.

Au cœur de son engagement artistique se trouve une relation intime avec le divin. Pour Laure de Jésus, Dieu est le début et la fin de toute chose, un guide et un ami fidèle. C’est cette connexion profonde qui nourrit son inspiration et donne sens à sa mission musicale. Elle affirme vouloir être une voix pour les personnes égarées ou oppressées afin de leur transmettre, à travers la louange, la paix qu’elle ressent intérieurement. L’album explore ainsi différentes facettes de la foi à travers des titres évocateurs tels que « Acclamez le Dieu vivant », « Yaw Rek », « Ta présence » ou encore « My Driver ».

Déterminée, Laure de Jésus voit désormais au-delà des frontières et ambitionne de porter son message dans toutes les extrémités de la terre via des concerts nationaux et internationaux.

Son parcours, bien qu’atypique, semble divinement tracé. Titulaire d’un bac scientifique, elle s’était orientée vers le journalisme avant de revenir à sa vocation première. Si elle pensait jadis devenir médecin, elle a aujourd’hui la conviction qu’elle soigne les âmes par son art. Née en 1999 et ayant débuté en chorale en 2017, celle qui a lancé sa carrière solo en 2023 s’impose désormais comme une figure montante du gospel au Sénégal.

Auteur: Khady NDOYE
Publié le: Dimanche 03 Mai 2026

Le groupe britannique Sade et le musicien nigérian Fela Kuti figurent parmi les artistes intronisées au Rock and Roll Hall of Fame, une institution distinguant chaque année les artistes et figures majeures du rock et de la musique populaire.

Sade Adu, chanteuse et leader du groupe composé du claviériste Andrew Hale, du bassiste Paul Spencer Denman et du saxophoniste Stuart Matthewman et formé à Londres en 1982, intègrent le panthéon dans la catégorie Performer.

Leur premier album, Diamond Life (1984), s’est écoulé à dix millions d’exemplaires dans le monde et a valu au groupe le Grammy Award du meilleur nouvel artiste. Les titres Your Love Is King et Smooth Operator, emblématiques de ce premier disque, incarnaient une fusion de jazz, soul et R&B. 

Au fil de six albums studio, le groupe a vendu plus de cinquante millions de disques. Elle est une influence majeure pour de nombreux artistes comme Beyoncé, Drake, Lauryn Hill ou encore Adèle. 

Une nouvelle consécration pour Fela Kuti 

Après un Grammy Awards décerné à titre posthume, Fela Kuti, né en 1938 au Nigeria et décédé en 1997, est distingué dans la catégorie Musical Influence, une reconnaissance réservée aux artistes ayant marqué durablement l’histoire musicale. 

Musicien multi-instrumentiste, il forme son premier groupe, Koola Lobitos, en 1961 à Londres, où il étudie la musique. De retour en Afrique après un séjour aux États-Unis, où il est influencé par James Brown et Sly Stone, il développe l’Afrobeat, un genre hybride mêlant le highlife ouest-africain, le jazz, la soul et le funk, sur fond de rythmiques complexes et de cuivres. 

C’est avec l’album Alagbon Close que Kuti commence à mettre ouvertement en cause le gouvernement nigérian dans ses textes.  Il fut emprisonné à plusieurs reprises pour ses prises de position et critiqué par la presse officielle nigériane. 

Le Rock and Roll Hall of Fame, dont le processus de sélection réunit environ 500 experts (universitaires, journalistes et producteurs), répartit ses intronisés en quatre catégories : Performer, Ahmet-Ertegun Award (pour les dirigeants de maison de disques, journalistes musicaux, DJ, auteurs-compositeurs), Musical Influence et Musical Excellence. Un artiste ou groupe n’est éligible qu’à partir de 25 ans après son premier enregistrement.

 

 

 

 

 

Parmi les figures retenues, Fela Kuti est distingué dans la catégorie « Influence précoce ». Le pionnier nigérian de l’afrobeat est salué pour son rôle déterminant dans l’évolution des musiques contemporaines. En fusionnant jazz, soul et sonorités ouest-africaines, il a imposé une signature musicale singulière. Son œuvre, à la fois artistique et politique, s’est rapidement affirmée comme un outil de contestation face aux dérives du pouvoir.

Avec cette reconnaissance, Fela Kuti devient le premier artiste solo africain, né et élevé sur le continent, à intégrer cette institution. La cérémonie officielle est programmée le 14 novembre 2026 au Peacock Theater, à Los Angeles. Une consécration tardive mais symbolique, près de trois décennies après sa disparition.

Né en 1938 sous le nom d’Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti, l’artiste s’engage très tôt dans une dynamique militante. Formé à Londres où il fonde Koola Lobitos, il affine ensuite son identité musicale aux États-Unis, influencé notamment par James Brown et Sly Stone. De cette trajectoire naît l’afrobeat, un genre hybride et engagé qui portera son message à l’échelle mondiale.

Au fil des années, il signe des œuvres majeures comme « Water Get No Enemy », « Expensive Shit » ou « Beasts of No Nation ». À travers ces titres, il dénonce corruption et injustices au Nigeria. Malgré les pressions et les arrestations, il reste fidèle à son combat panafricain. Disparu en 1997, Fela Kuti continue d’inspirer plusieurs générations d’artistes, confirmant son statut de référence incontournable dans l’histoire de la musique.